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3 月的艺仓美术馆,有一场《时尚印迹:从毕加索到安迪 · 沃霍尔》的展览。展品来自伦敦时尚和面料博物馆,这也是该博物馆在中国的第一次展出。

展览以时间为线索,讲述了 20 世纪艺术与面料设计相结合的历史,也是 painting on paper(纸上绘画) 到 painting on textile(面料上作画) 的演变过程。

展览从 19 世纪末 20 世纪初“高级艺术进入纺织品设计”开始。当时,随着现代主义进程的推进,艺术界兴起一阵艺术兼容于生活的讨论。以英国“工艺美术之父”威廉·莫里斯为代表的许多艺术家,都在探索如何让艺术实践更加贴近普通大众的生活。于是,他们将眼光投向了设计领域,尤其是批量化生产的纺织品艺术设计。

1910 年至 1939 年期间,随着野兽派、未来主义和建构主义的许多艺术家的加入,艺术与社会生活渐融,纺织品也开始成为艺术家们新的表达方式之一。但受两次世界的影响,直到 20 世纪 40 年代,艺术和纺织品设计才进入大规模结合的阶段。

得益于战后英美社会与文化复兴所带来的活力,以及由此对新思想的开放和包容态度,20 世纪 40 年代可能是艺术家介入纺织行业最富成效的十年。在这一时期内,超现实主义是当时最时尚、最受欢迎的艺术流派,艺术家也将这种艺术风格融入了服装面料的设计。

超现实主义画家达利将自己的风格融入了领带、丝巾、连衣裙等面料的设计中。他将自己标志性的的软饼形钟表图案运用在了红色领带上,用不断向画面中心蔓延的电话符号设计了丝巾《请报号码?》,还将“花卉芭蕾”的图案设计在了丝网印花人造丝“粒纹皱纱”的面料上,做成了连衣裙。

野兽派画家亨利·马蒂斯受 1940 年大溪地旅行带来的灵感,创作了一系列以海洋生物为元素的艺术品,展览展出了这一系列的丝网印花真丝头巾作品《披巾 1 号》。

1946 年,在一个由英国政府、纺织品制造商和设计师组成的联盟的共同努力下,英国 v&a 博物馆举办了一场名为 britain can make it 的展览,展示了英国的工业设计产品,包括纺织品。然而,参观博物馆的人可以看却不能购买这些有特色的设计。由于当时英国还处在战时紧缩政策下,所以制造商瞄准了海外市场,尤其是美国。

1950 年代中期,纽约富勒纺织品公司(fuller fabrics inco.)与 20 世纪国际著名艺术家合作了 modern masters( 当代大师)系列。该系列的图案设计来自于艺术大师的作品,生产印制由富勒公司操办。项目旨在大批量生产时装面料,并以每码 1.5 到 2 美元(1 码≈0.91 米)的价格出售。艺术家在此发起了一场 art for inches(面料上的艺术)运动,即“艺术为人民”运动,毕加索就率先参与了这场运动。

而在这场运动之前,时年 70 岁的毕加索已经做过两次丝巾设计。一次是 1950 年为伦敦当代艺术学院筹款所做的,公牛、太阳和植物设计图案,当时只做了 100 件。还有一次是 1951 年为“柏林和平节”所设计的和平鸽和四个头像图案围巾,这款围巾在当时作为礼物赠送给参与和平节的学生和年轻人。由于毕加索一直拒绝与商业合作,这两次设计都是小规模的免费设计。

在这两次设计之后,毕加索对“在纺织品上做设计”这一新媒介创作产生了热情。1953 年,应纽约富勒纺织品公司的邀请,他参与了 modern masters 的项目。这场面向大众的按码计价的艺术运动,与毕加索的政治信仰相符。他希望艺术不仅仅是挂在墙上供有钱人欣赏的东西,而是可以希望通过不同媒介的创新为所有人所拥有。

在这场运动项目中,毕加索花了一年多的时间研究面料这种新材质的创作,包括印染、元素提炼、视觉调整和花色研究,最终设计出了雄鸡和小鸟等纺织品图案。同时,凭借其在艺术界的感召力,许多 20 世纪知名艺术家也陆续加入进来,包括乔治·布拉克、费尔南·莱热、马克 · 夏卡尔,以及胡安·米罗等。

而同期英国的艺术家也投入了这样一场“在纺织品上做设计”的运动。

1953 年,伦敦当代艺术学院举办 paintings into textile(融油画于时装面料)展览,这是战后英国发展纺织品设计理念的一个重要里程碑。在此,大部分艺术家开始接受将面料作为艺术媒介的全新理念。包括亨利·摩尔、donald hamilton-fraser、william gear 和 eduardo paolozzi 等英国艺术家在此展出了自己的抽象作品。展览将“纺织设计作为艺术表达的一种媒介”概念推广了开来。展览中的许多作品后来被英国兰开夏纺织厂 david whitehead 投入商业化生产。

曾为英国品牌 heals 设计过许多纺织品的英国画家 paule vezelay 评价这场运动为:“通过引入绘画灵感的设计,整个纺织业设计的水平以一种最有趣的方式提升了。它们不再是纯粹的商业作品,而是在商业艺术和纯艺术之间架起了一座桥梁。”

展览中的第五展区“鲜为人知的毕加索: 1960年代的美国”,陈列了毕加索为纺织品设计项目所做的设计。

1960 年代初,80 岁毕加索接受了自己职业生涯的第二次商业合作。他与纽约布鲁姆克拉夫特织品公司(bloomcraft fabrics)合作,打造了 11 款材质各异、色彩绚丽的家居装饰面料,该系列售价约为每码 5 美元。

在色彩、图案之外,毕加索还在面料材质上进行探索,他与美国滑雪服生产商白鹿(white stag)合作了雪地着装(après-skiwear)系列。这次合作的多款面料图案,被应用于印花灯芯绒斗篷、pvc 涂层雨衣、纯棉卫衣以及女用裙裤等单品的生产,市售单价在 9 到 30 美元之间。

同一时期,波普艺术登上历史舞台。通俗美学被安迪·沃霍和桑德拉·罗德斯(zandra rhodes)等艺术家设计师引进了纺织品设计领域。

在安迪·沃霍以波普艺术大师成名之前,他曾是一名平面设计师。在安迪·沃霍早期的职业生涯中,曾为 400 多期不同的杂志发表过插画作品,还涉足商业广告领域,为女鞋、香水设计过插画。在这一时期,安迪·沃霍将动物、水果、小丑和纽扣等图案放进了纺织品面料的设计,并将部分面料做成了服装。在 50 年代以面料进行创作的经历(丝网印花的方式),为他后来在波普艺术中的创作带来了启发。

而作为展览中唯一存世的艺术家,桑德拉·罗德斯在这场运动的尾声进入公众视野。1964年,她在英国皇家艺术学院毕业展上的作品 top brass,被英国家具品牌 heal’s 买下并投入生产,展览展出了这件毕业作品。

还有桑德拉最受欢迎的设计——60 年代设计的“口红”(lipstick)图案,这一设计灵感来自迪奥的美容产品广告。展览展出了用 lipstick 图案制作的丝网印花丝绸裙子。2017年,lipstick 的设计被瓦伦天奴的高端定制系列买下,经重新设计后在市场推出。

展览陈列了一战后到冷战的 60 年间,纺织品、面料和服装的演变,反映了当时社会的变化、社会情绪和文化价值取向。这也是一段艺术和设计结合的历史,在此,一种新的艺术媒介将艺术家、制造商和消费者结合在了一起。

到 70 年代末和 80 年代,这段长达半个多世纪的面料与艺术历史到达了尾声。时至今日,“跨界合作”也变得稀松平常,而“现在纺织品大多在亚洲生产,这种共生关系不会再出现,至少不会以同样的方式出现。”

桑德拉·罗德斯(zandra rhodes)

1940 年出生,先后在麦德威艺术学院和英国皇家艺术学院学习,专攻纺织品印花设计。她的设计被认为富有戏剧性而优雅,大胆而女性。她常以粉红色的头发,戏剧化的妆容出现在公众面前,被人称为“朋克公主”。

作为服装设计师,桑德拉曾为戴安娜王妃、皇后乐队的 freddie mercury 和 brian may 设计过服装。1995 年,她在加州成立了一家工作室,也涉足家饰设计。

2003 年,桑德拉在伦敦创办了时尚和面料博物馆,聚焦时装、时尚和面料主题。过去数年,博物馆策划了多个主题展览,包括“时尚中的自由”,“奥兰·凯利:在图案中的一生”,“艺术家与时尚面料:毕加索到安迪·沃霍尔”,“约瑟夫·弗兰克:图形 – 家具 – 绘画”,“爵士时代:二十世纪二十年代的时尚、摄影”,以及“针织品:从香奈儿到伍斯特伍德”等。

3 月 2 日,桑德拉·罗德斯在艺仓美术馆做了一场讲座,分享了时尚与面料博物馆,以及她自己的一些设计。以下是现场观众提问摘录:

q:作为一个面料设计师,你怎么知道这个面料设计得好不好?有什么标准吗?

a:你做一个设计,你希望它能流行,你希望有人愿意穿上它。你投放到市场上的时候,你怀着很小的希望它有可能为商业所接受。有些可能一点都不商业。1971 年的时候我做的一些有洞的服饰,在当时大概只卖了 10 多件。有时候只有历史会告诉你一件东西的好坏,或者之后人们会意识到这样东西的价值。

我作为一个面料设计师出身,我尝试销售我的作品。人们可能会说,我不要买它,它不商业。但我相信自己的设计。我讨厌教学,那我就想我我还是做设计的工作吧。幸运的是,做设计在我身上行得通。但也不是每一件作品都卖出去了。有些根本没有卖出去,但作为一个设计师,(你做设计的时候)就是不管成败,有时候人们当下喜欢它,但是过几年,人们可能根本就不喜欢它了。

比如达利设计作品的时候,也就是把它做到最好。有些人会作为丝巾使用(本身就是一块丝巾),有些人就觉得是个艺术品,就会挂到墙上。真正作品推到市场上的反应,可能一下火了,可能根本没人在意(hit or miss)。

q:面料设计现在人们看来是很有意义的,但是现在的市场好像完全忽视面料的设计,一个品牌可能就用一个面料的设计,用一个图案来代表一个品牌。这种现象您怎么看?

a:这就是时尚。人们会被什么吸引,它就会是什么。如果它卖出去,它会被复制得更多。如果卖不出去,它就会像石头一样掉到地上。

作为一名设计师,我总认为你就像一个赌徒。如果我做了一个没人要穿的设计,那就是恶运。对于人们一个想要成为一名设计师的人来说,你要变得非常厚脸皮,做好准备人们可能会嘲笑你。但我认为如果你是真诚的,你简直做下去,最终是会有回报的。

我们和桑德拉·罗德斯聊了聊设计、面料、展览,以及“在纺织品上做设计”。

q:好奇心日报

z:桑德拉·罗德斯(zandra rhodes)

q:怎么想到做时尚和面料博物馆,以及“时尚印迹:从毕加索到安迪 · 沃霍尔”展览的?

z:展览展示了不同的艺术家把它们的作品印到纺织品上,这很棒。两个藏家把这些展品放在了一起,然后他们把我也放进了其中。现在,我是展览中唯一存活的人了。

创办时装和面料博物馆,是因为我最初觉得,作为纺织品设计师,人们没有给予面料应该有的重视。一件衣服看起来好,也是离不开面料的。这就是为什么我建立了这个博物馆,同时我也希望展示英国的设计师,因为他们中的很多人没有机会被看到。

q:如何理解展览中的“面料”(textile)?

z:因为我是一个面料设计师,所以我会说面料最重要。你通常很容易穿一件外形很简洁的裙子,但印花(prints)可以让衣服变得更出彩。

q:展览上的很多面料是丝网印刷的。面料能在 20 世纪蓬勃发展,是得益于技术的发展吗?

z:几十年前,丝网印刷是一个让艺术可以到达更多人的方法。这是一个很棒的想法,让人们可以拥有自己的安迪·沃霍或者毕加索服装。

我认为这是一个非常好、非常有趣的想法,它展示了面料的重要性。这个展览展示了艺术是如何在面料上的,如何被人们所穿着的。作为一个面料设计师,我肯定是有所偏颇的,我认为这展示了面料之美,以及艺术如何成为大众的衣着。

q:作为这场运动的一份子,看到“面料上的艺术”被更多人接受的时候,你是什么感受?

z:我想面料设计可以是艺术。展览中的这些面料,是被当作窗帘或人们穿着的图案的,这是一个人们想要获取更多艺术的时期。所以,他们可以把它当作悬挂物,人们可以拥有自己的达利、毕加索,或者做成服装。

我认为最重要的是,人们开始对此感兴趣了。人们开始买这些面料设计,因为这是毕加索的。这是比我所想的更好的方式,这赋予了面料价值。我一直认为人们没有给面料设计和背后的设计师足够的重视。

q:我看到你说自己的灵感常来自源于旅行,现在还是这样吗?这次来上海有什么新感受吗?

z:当我旅行的时候,我不用一直和我办公室联系,我有时间看、观察事物,并思考它们。这对我来说很棒。

这是我第二次来上海,上一次是 1979 年,(当时)街上都是军绿色和藏青色,街上只有自行车。那时候没有这么多高楼。

现在我认为中国是最令人激动的国家之一,我喜欢看到每个人穿着都不同,每个人都有不同的个性(和着装)。然后我看到来看展览的人们,他们年轻而富有个性的眼光,这很棒。

q:我看到你有一个叫做 digital study collection 的网站,里面有你 500 多件经典设计。网站上说到你希望将你的设计让全世界的学生看到。如果有的话,你会给到现在学设计的年轻人什么建议吗?

z:这是一个项目,我和一个大学(英国创意艺术大学)合作做的,我是那里的荣誉教授。我希望人们可以看到我的作品,也是给做相关创作研究的学生提供的一个线上的资料库。今年我会出版一本书,里面也会展示我过去 50 年里的创作。

(对于年轻设计师的话),热忱,努力,和喜欢努力工作的朋友们在一起。这不会变得更容易,但这很令人兴奋。而在中国,我认为这将比其它任何地方都更令人兴奋。因为你会成为领导者,而世界正从我这儿渐渐远去。

q:展览是一段历史历程,从 40 年代超现实主义到 60 年代的波普艺术,您自己也在 70 年代设计了 the conceptual chic 系列。你会怎么形容当下的风格?

z:the conceptual chic 是我做的朋克系列(1977年),用了安全别针,和有洞的设计。我过去一直做飘逸的雪纺材质,但是突然间,我想尝试有洞、豆形装饰物、安全别针的织物。

现在(的风格)很难说,我认为目前是一种非常潇洒、非常休闲的潮流,像飞行员夹克(bomber jacket)这一类服饰引领了潮流。不是(以前)那种优雅的时髦风格。

q:那这会影响您自己的着装风格吗?还是您的着装风格已经相对固定了?

z:时尚界没有什么是一成不变的。我会试着去思考如何用我自己的眼光重新诠释一切。跟从别人没什么意义,因为人们想看到桑德拉·罗兹的风格。所以每一年,这对我来说都是一个挑战——做一个看起来还是我风格的形象。

q:在纺织品上作画,与在画纸上作画有什么不同吗?

z:你会先在纸上作画,然后你必须找出如何在织物上再现(会再思考怎么排列图案和尺寸等问题)。然后我会拿着布料对着镜子,在自己身上比划。作者:姜天涯

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